2. Важные этапы жизни и творчества
Родовые корни
У каждого человека есть свой исток - рождение, а его жизнь - течение, уносящее воды все дальше и дальше. Водная стихия, многочисленные пейзажи с лодками, одинокие фигуры, созерцающие тихую гладь озера, - частые персонажи картин Петра Павловича Оссовского.
Человек и мир, его непростое существование - главная тема произведений художника. Она объединяет картины, пейзажи, портреты, часть из которых составили циклы, серии. Но, чтобы говорить о его живописи, стоит начать с истока, корней, того, что сформировало и оказало влияние на судьбу - жизнь и творчество.
Автопортрет. 1985
Фамилия Оссовский своими корнями уходит в Польшу. Когда-то знатный род разорился и его потомки разбрелись по свету. Так, дед художника Владислав Иванович Оссовский родился в 1846 году на Украине. Участник русско-турецкой войны 1877-1878 годов после ее окончания, он, механик по профессии, устроился на работу и остался в Малой Виске, большом украинском селе Елисаветградского уезда. Его жена - Валерия Ивановна, урожденная варшавянка Сорновская. От их брака в 1899 году родился сын Павел, отец художника. Отцу художника не было чуждо искусство. В молодости с большим увлечением играл на скрипке. До 1930 года молодая пара жила в Малой Виске. Восемнадцатого мая 1925 года родился их первый сын - Петр. Здесь прошло детство будущего художника. Ища для своей семьи лучшей доли, отец переезжал с одного места на другое. А в 1936 году семья переезжает в Москву. Здесь Петра отдали учиться в художественную школу. Его профессия определилась сразу и на всю жизнь.
Портрет матери. 1990 год. Портрет отца. 1990 год.
Испытание картиной
В 1940 году Петр Оссовский поступил в Московскую среднюю художественную школу. С большим увлечением работал над композициями. Еще на приемных экзаменах И. Э. Грабарь отметил две его композиции как удачные, и юношу приняли в число учеников.
Первой выставкой юного художника стала экспозиция работ учеников школы, проведенная за месяц до Великой Отечественной войны, в мае 1941 года в МТХ (Московском товариществе художников) на Кузнецком мосту. Оссовский выставил композицию «Ополчение» (не сохранилась) на тему Пугачевского бунта.
В начале Великой Отечественной войны художественная школа была эвакуирована на Урал, в Башкирию, в большое село Воскресенское. «Нашему юношескому, городскому взору предстали "экзотические" красоты деревенской жизни: лошади и телеги, которых в Москве днем с огнем не сыщешь», - вспоминает художник. В эти тяжелые годы юный художник узнал и увидел Россию по-настоящему, начал открывать ее для себя, для своего творчества.
Вернувшись в Москву, Оссовский в 1944-1950-е годы продолжил обучение теперь уже в Московском художественном институте имени В. И. Сурикова. Среди его учителей - И. И. Чекмазов, В. В. Фаворская, Л. К. Мочальский, преподавший рисунок, Н. Х. Максимов, В. Н. Костин, но особую роль в формировании молодого художника сыграл крупнейший живописец и педагог С. В. Герасимов. Близкие Герасимову темы — жизнь провинции, сельский быт, деревенская природа - решались им в динамической манере письма. Мастер избегал мелочей и частностей, стремясь создать обобщенный портрет, картину, укрупняя фигуры. Такой подход оказался близок и Оссовскому.
Отправной точкой творчества художника стала его студенческая неудача - композиция «Семья. 42 год» (1946, не сохранилась), которую он писал на втором курсе. Настроение, переданное в картине, - человеческие трудности на фоне эйфории победы в Великой Отечественной войне - было оценено как пессимизм.
Увлеченный спортом, Оссовский и свою дипломную работу посвящает этой теме. В итоге дипломной работой становится композиция «Футбол» (1950, не сохранилась). Увлечение спортом сыграло важную роль в творчестве Оссовского. В поисках новых впечатлений и этюдов художник не раз пускался в путешествие на велосипеде. Картина «На городской окраине» (1958, Северо-Осетинский республиканский художественный музей имени М. С. Туганова, Владикавказ) - фактически автопортрет художника, изображающий его во время одного из велопутешествий.
В районном центре. 1956 год.
Другая тема, волновавшая молодого художника в 50-е годы, - московские окраины. «Многие годы я прожил на окраине города, где нет архитектурных памятников, созданных гением зодчих, где дома выросли как грибы, без всякого порядка, в пейзажах вкраплены черно-белые шлагбаумы, с зелено-красными глазами светофоров», - вспоминает художник. Именно такую угловатую, иногда угрюмую и серую, а иногда 6одрую неутомимой суетой вселяющую надежду Москву он писал. «Красивы ли новые кварталы? Для меня да. Казалось бы, серый бетон панелей окрашивает новые районы в цвет, которого и так много в дождливые и ненастные дни: однообразные линии улиц, кубы домов не создают игру форм, приятную для глаз. Но в этом своя красота», - размышляет художник.
Выбор сюжета связывается и с внутренним состоянием самого художника. Если в работе «У переезда» (1954) шлагбаум еще закрыт, а персонажи ее в ожидании, то уже в «Полночи» (1958) или «На окружной железной дороге», «У ларька» (1959) шлагбаум поднят. Путь свободен. Есть в этом что-то символичное как для творчества самого художника, так и для общего хода развития искусства конца 1950 - начата 1960-х годов. «Петр Оссовский идет по пути поисков пейзажа нового, совершенно современного, — писал Г. Г. Нисский в статье о творчестве молодых художников. - Сейчас нужно новое видение, новое чувствование, новое мироощущение — все это есть у Оссовского».
Уже тогда молодой художник не боялся смотреть правде в глаза, изображать ее, осмысливая художественно. «Залакированная красивость» не привлекала его, представляясь поверхностной, быстро прекращающей интересовать. Он искал красоту истинную, где важен не внешний вид, а внутреннее содержание. Художник не боялся показать непривлекательную, серую, буднично-скучную сторону жизни, ее жесткость, суровость. Его всегда интересовали и будут интересовать две стороны медали, два течения жизни - добро и зло, свет и тьма.
На окружной железной дороге. У ларька. 1959 год.
«Три поколения»
Картиной «Три поколения» (1959) начался новый этап творческой жизни Петра Оссовского. Именно она помогла выдержать первое испытание, переборов неуверенность и смущение прошлых неудач. Полотно «Три поколения» вызвало серьезную критику официальных властей, но автор был уверен в своей правоте. К работе над картиной, название которой определилось позже, художника вдохновило полотно Тициана «Три возраста». Собранный же ранее этюдный материал (владимирский этюд «Пастушонок», 1952; привезенный с академической дачи «Сенеж» «Старик», 1958, оба - собственность художника) соединился с сочиненным изображением (мужчины средних лет). А пейзаж — это окрестности Москвы. Так впечатления от поездок по городам России слились в одну картину.
Три поколения. 1959 год.
«Три поколения» была представлена в 1960 году на выставке «Советская Россия», вызвав споры и дискуссии. В. А. Серов - президент Академии художеств СССР и председатель Союза художников РСФСР - сначала отверг работу. Но отборочная комиссия приняла картину молодого художника. Серов был вынужден включить ее в экспозицию.
В творческой биографии Оссовского это произведение заняло особое место, став началом перехода художника от пейзажа к масштабной картине. По мнению знаменитого живописца, близкого друга Оссовского В. И. Иванова картина «Три поколения» явилась провозвестником многих полотен художников «сурового стиля».
Куба
Поездки на Кубу и в Мексику, знакомство с жизнью и природой подарят Петру Оссовскому неоценимые познания, которыми он умело воспользуется. Яркие локальные цвета неба, моря, своеобразие и экзотика природы Латинской Америки помогут художнику быть более свободным в цветовом решении своих будущих картин.
В 1961 году Петр Оссовский и его друг и коллега живописец Виктор Иванов совершили поездку на Кубу.
На набережной Гаваны. Полдень. 1961 год.
Художник увидел Кубу возбужденную, эмоциональную, раскаленную страстями только что осуществленной мечты, с которой были связаны большие надежды. В работах Оссовского «На набережной» или «Гавана. Полдень», (обе - 1961, Государственная Третьяковская галерея, Москва) в столице «острова Свободы» ощущается тревожное, беспокойное настроение. Страшно видеть детей и женщин, сидящих на парапете набережной, и «красующуюся» рядом пушку («На набережной»). Жесткий контраст мирным людям составляют мужские фигуры в военной форме с автоматом в руках.
Особую роль в этих картинах занимает цвет: резкие контраст отношений, открытые, порой совершенно локальные цвета. В картинах кубинского цикла Оссовский воспринимал яркие, сочные краски южного города, ощущал и передавал его особое пространство, где воздух словно испарился. Отсюда ощущение вакуума, атмосферной пустоты.
На Кубе художник создал много эскизов, рисунков, а также портретов. Творческий багаж Оссовского после кубинской поездки пополнили портреты Фиделя Кастро и Эрнесто Че Гевары (оба — 1961 год). Порывистым, темпераментным — представлен Кастро и на портрете художника.
Фидель Кастро. 1961 год.
Другой яркий персонаж кубинской революции — романтический борец Эрнесто Че Гевара. На портрете Оссовского Че Гевара романтический герой кубинской революции, кумир многих, идеал красоты и мужества. Большие грустные глаза заставляют увидеть скрытую неудовлетворенность этого человека. В портретах Оссовского и Фидель Кастро, и Эрнесто Че Гевара — два революционера, романтика, темпераментных латиноса, покоривших миллионы сердец всего мира.
В творчестве мастера эта поездка имела большое значение. «Именно на Кубе я завершил курс рисования, приобрел бесценный опыт, так необходимый для дальнейшей моей работы», — вспоминает он.
После его выставки «Куба» живописные работы и рисунки Оссовского оказались в собрании Третьяковской галереи. В жизни художника это было событием.
Мексика
Посещение этой страны происходило в рамках «латинской» поездки вслед за пребыванием на Кубе. Понимание Мексики Оссовским в первую очередь шло через знакомство с творчеством мастеров Диего Риверы, Хосе Клементе Ороско, художников Мастерской народной графики Мексики, а также древней индейской культуры, произведений народных мастеров.
Сплав впечатлений от посещения страны (ее люди, природа), восхищение ее мощным творческим потенциалом буквально взяли Оссовского в плен. В московской мастерской они в течение трех лет не давали покоя, заставляя снова и снова писать «свою Мексику».
Триптих «Мексика» (1962-1964), картины «Мать» (1964), «Старая гостиница» (1962-1964) стали настоящей творческой победой, профессиональным ориентиром для всего дальнейшего творчества. «Некоторые полотна оказались одними из лучших в моей творческой судьбе», - признается Оссовский.
Практически все персонажи триптиха «Мексика», запоминающиеся, яркие, проникнуты глубоким настроением. Перед зрителем предстает характерный пейзаж Мексики — выжженные просторы земли, гористая местность, маленькие города, небольшие домики, убогие лачужки. Вариации оттенков коричневого, рыжего, красного, желтого тонко выражают цветовую гамму природы этой страны.
Одинокое ранчо. (Левая часть триптиха «Мексика»).
Семья (Центральная часть триптиха «Мексика»).
Дорога (Правая часть триптиха «Мексика»).
1962-1964.
Главная тема триптиха - человек, его жизнь, судьба - сложная, тяжелая, порой трагичная. Крепкие мускулистые фигуры, строгие, суровые лица говорят о стойких характерах. Персонажи композиций лишены сентиментальности, им не свойственны причитания и сетования на свою судьбу. Фигуры написаны скупым мазком, передающим красивую пластику, строгие изгибы линий, их ритмику, что придает образам монументальные черты.
Типажи мексиканской серии — это коренные жители Мексики, на своей земле, несмотря на все тяготы жизни, они чувствуют себя уверенно, ни в коем случае не сломлены.
В серию «Мексика» входит картина «Мать» (2002) - обожженные солнцем плоскогорья Мексики, ее пустынный пейзаж, посреди которого стоят женщина и мальчик. Драматизм здесь темпераментно выразителен, в том числе и благодаря колориту. Красно-рыжий, кирпичный цвет заполняет собой все пространство. Земля будто огненная, неприветливая и даже враждебная человеку. Женщина-мать, такая же суровая, как и земля, а мальчик, символ продолжения жизни, олицетворяет нарожденную жизнь.
Мать (слева). Старая гостиница (справа). Обе варианты 2002 года.
Картина «Старая гостиница» (вариант, 2002) - еще одно «лицо» Мексики. Темные краски, резкий контраст света и тени, строгость, аскеза интерьера и скованная в своей позе смуглая индейская девушка - горничная в белом переднике. Ее лицо, фактурный скуластый профиль, похоже на образы скульптуры индейцев майя. Бытовой сюжет превращается в сложный образ истории страны. Тяжкое воспоминание, мучающее девушку, мрачно глядящую на кровать, становится олицетворением всей истории когда-то совершенного жестокого насилия над целым народом.
В течение трех лет работы над серией «Мексика» сформировали пластический язык Оссовского. Со временем подвергнутся серьезному изменению и принципы реалистической живописи Оссовского. В его картинах уже нет обилия деталей, которые художник теперь считает ненужными.
Именно после выставки «Мексика», проходившей в ГМИИ имени А. С. Пушкина. Оссовский стал по-настоящему знаменитым. О его произведениях заговорили, горячо обсуждали их достоинства и недостатки.
Серьезная творческая работа была вознаграждена в том числе и теплыми положительными отзывами духовного учителя - знаменитого живописца П. Д. Корина, который особенно хвалил серию «Мексика». «Когда мы с ним встречались на выставках, он всегда повторял: “Дивная Ваша Мексика”». В 1964 году персональная выставка под названием «Мексика» прошла не только в Москве, но и в Ленинграде, Волгограде, Варшаве.
Люди Сибири. Байкал
Поездки в Сибирь и на Алтай в 1957 и 1959 годах, а также поездка в 1979 году на БАМ - важные этапы в творческой биографии художника.
Теперь перед ним стояла сложная задача изображения русской земли, непокоренной ее части, сильных людей, такиех же могучих, как и природа, их окружающая. Его первый план — это не просто передовики, но живые люди, их разные судьбы, сложные и по-своему интересные.
Как и другие «шестидесятники», он исключает литературность, излишнюю многословность, использование большого количества деталей и атрибут труда, указывающих на ту или иную профессию, обобщает его прочтение и понимание.
Уже работа с категориями малого и глобального пространства открывается в серии «Люди Сибири» мощными пейзажами, в которых предстает исполинский, непокоренный, строптивый характер природы и ее необыкновенная красота. Колорит полотен уходит от внешней красивости, в самом цвете передает внутренний характер природы Сибири - особый, непохожий на все другие края России. Художник снова создает серию. В нее он включает разные жанры - пейзаж, портрет, тематическую картину. Особая пластика формы выражает внутреннюю силу и внешнюю массивность гор. Тот же метод используется и в изображении человека. Люди, которые пришли укрощать природу, должны быть такими же сильными, духовно, физически, иначе победит природа.
Бульдозеристы. 1965 год.
В картине «Бульдозеристы» (1965) за исходный взят масштаб машин - огромные циклопические бульдозеры и фигуры трех рабочих на их фоне. Вместе с тем здесь не чувствуется конфликт. Перекличка красного цвета в окрасе бульдозера и в майке одного из рабочих не только способ, уравновешивающий композицию цветовых пятен, но и смысловое сочетание — это не враждебные субстанции. Человек и машина, им созданная, работают для осуществления планов человека.
В таких полотнах, как « Бригадир» (1965) и «Бетонщица» (1965), лучших в этой серии, сделан акцент только на человеке.
Бригадир. 1965 год.
В картине «Бригадир» личности уделено главное внимание. Строгость, сдержанность и мужественность, сила характера читаются в лице рабочего. Словно муравьи изображены краны на заднем плане. Здесь техника не доминанта, она целиком подвластна людям, которые борются, покоряют природу, а вместе с ней и самих себя. Основной фон этого полотна - водная стихия северных рек.
Бетонщица. 1965 год.
В «Бетонщице» - голова женщины на первом плане, фон - жесткие бетонные конструкции. Здесь женское начало уступает место мужскому - волевому характеру, физической силе и выносливости.
В картине «Портальный кран» (1965) основное пространство занимают земля и небо - затаившиеся на время стихии природы. Кургузому, страшноватому сооружению - портальному крану - отводится ровно одна четверть полотна. Несмотря на свой угрожающий вид, его победа над природой весьма сомнительна. Зато люди в картине действительно выглядят если не побежденными, то усталыми, на время отступившими.
Байкал. 1981 год.
В пейзаже «Байкал» (1981) природа представлена как исполин, а люди в лодках - несоизмеримо маленькими фигурками. Вместе с тем они органично воспринимаются в пространстве гигантского по своим масштабам озера. Нет конфликта, нет спора, нет противостояния. Все существует в гармонии, которая в действительности такая же хрупкая, как фигурки людей в лодках.
Строители Байкальского тоннеля БАМа. 1980 год.
В картине «Строители Байкальского тоннеля БАМа» (1980) - образ рабочего иной, по сравнению с 1960-ми годами он претерпел некоторые изменения. В них нет энергетики строителей 1960-х годов — это другое поколение, у которого уже взгляд человека 1980-х. В картине краски не контрастируют, а умело сочетаются, плавно играют своими оттенками. Охристый цвет одежд одного из рабочих сочетается с чуть измененным оттенком песчаного берега и на полутонах сочетается с желтовато-зеленоватым отливом поверхности озера.
Во время поездки в Сибирь в 1979 году Оссовский делает для себя еще одно открытие - он посещает села бывших екатерининских семейских поселений. Так рождается серия портретов людей Забайкалья. Художник создает галерею лиц тех, кто родился, в Забайкалье, чьи предки жили не один век, и потому эта земля для них самая родная. Такие портреты как «Егерь Михаил» (1979) или «Василиса» (1979), изображенная в национальном русском костюме, близки по интонациям славянской серии портретов художника.
В картинах серии «Люди Сибири» художнику удалось охватить темы и проблемы того времени, раскрыть неброскую красоту и мощь сибирской природы, тонко охарактеризовать персонажей - строителей: рабочих, простой народ.
Поездки в Европу
Продолжение славянской темы Оссовский находит в поездках по Чехии и Словакии, Польше, Болгарии. Рыбаки южной Чехии (Чешский рыбак, 1977) и крестьяне Средней Словакии становятся основными персонажами.
Художник пишет и старые города. Таковы «лица столиц» — Прага, Братислава (обе — 2002, собственность художника). Оссовскому интересны и маленькие городки — Дольний Кубин (1975, Государственная Третьяковская галерея, Москва), Город в южной Чехии (1978, Николаевский художественный музей имени В. В. Верещагина).
В мастерской. Источник фото>>>
Путешествуя по Чехии и Словакии, художник пополняет и портретную галерею образов, которые в будущем он вместе с портретами, исполненными в Болгарии, объединит в серию «Славянские портреты». Такие работы, как «Чешский рыбак», «Словацкая девушка» (1976), одни из лучших портретных произведений Петра Оссовского. В них он улавливает народный тип, сложившийся в средневековой чешской и словацкой скульптуре. Художник часто «играет в сравнения», изображая, например, женское лицо на фоне средневековой женской головки («Словацкие мадонны», 2002). Так, его «Словацкая девушка» воспринимается словно средневековая скульптура, обретшая живую плоть. Однако мастер не стремится сравнивать, уподоблять простую девушку Мадонне, королеве. Он просто любуется ее выразительной красотой, превращая портретные черты в некий идеальный образ.
Появляется и серия работ, посвященных Болгарии. Это пейзажи «Велико-Тырново» (1981), «Золотые горы Мелника» (1979), «Родина Спартака», «Старый дом в Пловдиве», «Родопский мотив» (все — 1980, собственность художника). В этих и других работах складывается образ национального духа, прочувствованный через природу южного солнечного края. Для Болгарии художник выбирает синий, все оттенки коричневого, от золотой охры до густого коричневого, цвета кофе, ароматом которого буквально пропитан ее воздух.
В Болгарии Оссовский создает ряд портретов. Среди них — такие яркие образы, как «Печно – болгарский пастух» (2002), еще один из колоритных народных типов. Смуглый от палящего солнца мужчина средних лет одет в грубую одежду, сотканную разными оттенками коричневого, и белую, выгоревшую на слепящем солнце рубашку.
Кроме портретов и пейзажей, художник пишет историческое посвящение Болгарии — триптих «Памяти героев Шипки» (1984). Триптих посвящен деду Оссовского, Владиславу, который участвовал в боях за освобождение Болгарии и был тяжело ранен. Центральная часть — это пейзаж, вид Шипки. Левая часть - композиция «Освободители» — две мужские фигуры, русского солдата и болгарского ополченца. Правая часть — «Поклон героям» — две женские фигуры. Их лица соединяют в себе восточные и славянские черты. Единый золотой фон объединяет все три части. В строгой графичности композиции и суровом колорите слышится реквием по погибшим, но и звучит гимн подвигу.
Как и большинство русских художников, Петр Оссовский отдал дань прекрасной Италии и ее столице — Риму. Молодой Оссовский был очарован музейными шедеврами Италии, красотой архитектурной классики, однако он оставался верен себе и бежит с шумных площадей столицы в ее тихие уголки.
Рубежи жизни Родины
В 1980-е годы он обратился к истории России. Триптих «Озаренные светом Победы» (1980) написан к 600-летней годовщине Куликовской битвы. Объединяющей частью является пейзаж - Московский Кремль. Центральная часть триптиха « Золотой Кремлевский холм» решена интересно. Художник изображает композицию Кремля как национальный символ, сердце страны. Подсвеченные снизу Красная площадь и архитектура самого Кремля создают ощущение, что их освещает внутренний вечный огонь. В драматической игре света и тени, в контрасте желто-золотого зарева и темного есть внутреннее напряжение, раскрывающего перипетии истории России.
Дмитрий Донской на Куликовом поле. Золотой Кремлевский холм. Победный май.
Триптих «Озаренные светом Победы». 1980 год.
(К 600-летней годовщине Куликовской битвы).
Левая и правая части триптиха — «Дмитрий Донской на Куликовом поле» и « Победный май» — иллюстрируют сложные этапы русской истории. Смешение чувств — радость победы на Куликовском поле и в Берлине над фашистской Германией, горечь утрат — остро звучат в обеих композициях. Их сложное построение, многообразие жестов, поз и движений фигур выражает контраст между ними и величавой незыблемостью центральной картины.
Все три работы охвачены единым порывом напряжения, возбуждения, а продуманная хаотичность их композиций подчеркивает противоречивость чувств. Защитники Древней Руси, ощущающие свое грядущее торжество, тут же испытывают и боль утраты, видя смерть тех, кто недавно стоял рядом. Так же и в мае 1945 года солдаты и командиры, празднуя свою долгожданную победу, вместе с трагедией и разрушениями видят солнце, с трудом проникающее сквозь боевой дым смерти.
Интерес именно к исторической картине заставляет Оссовского создавать композиции, посвященные судьбе России и ее народа в XX веке.
Среди таких работ – полиптих «Рубежи жизни Родины» (1969, Музей современной истории России, Москва) и триптих «Баллада о революции» (1986).
Полиптих «Рубежи жизни Родины» в чем-то развивает тему картины «Три покололения». «Год 19-й» «окрашен» красным — трагедией войны, «Год 30-й» — тяжелая грандиозная стройка, «Год 43-й» — черные руины того, что с большим трудом, потом и кровью было построено, «Год 65-й» — снова мир, снова созидание, строительство, рождение новой жизни. Каждая картина — это этюд, фрагмент жизни поколений, фактически это деды, отцы, сыновья, внуки.
Полиптих «Русские матери» (1988-1994) стал еще одной творческой и личной победой художника. Оконченная уже в 1990-е годы, работа стала не только одой русской женщине, но и образом России.
Перед глазами предстают рубежи жизни Родины — война, революции, мир. Словно быстрая река, сменяются циклы бытия: рождение, жизнь, ее радости и горести, ее драмы и триумфы, смерть, конец одной жизни и начало другой — новой.
Несмотря на внешнюю, кажущуюся прямоту, «Русские матери» — иносказательное произведение. Четыре картины (Ожидание, Печальное солнце, Пожар, Материнство) решены как единое целое.
Ожидание. Печальное солнце. Пожар. Материнство (Полиптих «Русские матери»). 1984-1988.
Более узкие по формату и композиционно сильнее загруженные две центральные части («Печальное солнце», «Пожар») даны в более темном колорите, оптически уводят взгляд внутрь, тогда как две боковые картины решены в светлой гамме, наоборот, приближающей его к зрителю. Так художник подчеркивает смысловой контекст — приблизить светлое и радостное «Ожидание» и «Материнство» и отдалить неизбежно горестное — смерть («Печальное солнце») и утрату («Пожар»). Эмоциональному состоянию вторит монохромный «фресковый» колорит. Общему настроению полиптиха свойственно некое единое чувство — философичная грусть, отразившая глубоко личные переживания художника.
Есть в творчестве Оссовского серия работ, которую сам художник назвал «Кремлиада». В нее вошло много пейзажей с видами Московского Кремля. Первым среди полотен «Кремлиады» стал пейзаж «Века проходят над Кремлем» (1979). Грозовые вихри облаков, словно воспоминания о бурной истории, проносятся в дневном небе над ансамблем. Резкий контраст света и тени точно передает состояние природы — грозовое небо и яркие золотистые лучи солнца, строптиво пронизывающие хаос облаков.
Однажды, работая над пейзажами Кремля, делая один эскиз за другим, художник задержался в кремлевсклм здании дольше, чем обычно. Так появился «Золотой Кремлевский холм» (1980). Архитектурная красота, ее сложность и многогранность выразились в вечернем облике Кремля. С этого момента главный архитектурный памятник столицы часто становился «персонажем» полотен художника. Он создает множество вечерних и дневных пейзажей этого ансамбля.
Со временем у Оссовского рождается идея создать диптих, соединив две знаменитые, «главные» площади страны — Красную в Москве и Дворцовую в Санкт-Петербурге. Причудливая, сказочная фантазия архитектуры храма Василия Блаженного и башен Кремля в «Солнце над Красной площадью» (1983-1984) контрастирует с благородной статью петербургской архитектуры в картине «Дворцовая площадь» (1983-1984). Эти два архитектурных пространства — немые свидетели великих трагедий и побед русской истории, еще и связующие время силы, напоминающие о прошлом, утвержденные в настоящем и ждущие будущего.
Солнце над Красной площадью. (Диптих «Две площади России»). 1983-1984
Дворцовая площадь (Диптих «Две площади России»). 1983-1984
Источники>>>
